數位和類比的爭論在廿一世紀的現在還沒塵埃落定，作為一個「不只是消費」的創作者，勢必得面臨選擇，對我而言，這選擇不是數位、類比工具的二選一，而是態度與技術上的折衝與平衡。

在Steve Albini的錄音室 Electrical Audio看到這一連串的討論，可以釐清一些關於創作工具與創作本身之間的辨証關係，同時也把我自己的想法提供給大家參考。
在這哩，BOB WESTON的觀點是值得大家注意的：
大概是說，
很多人認為數位剪輯方便，有電腦螢幕可以看，可以微調修正錄音時的「錯誤」，這是類比系統很難做到的（當然STEVE Albini不同意）。

Bob說，這些「錯誤」，一直存在那些經典的樂團錄音作品裡面，例如齊柏林、the who，滾石這些超級樂團裡面，但是卻一點都沒有影響他們在樂壇的地位，而且如果我們不去提醒，一般人是不會發現那些錯誤的，因為真正吸引人的重要因素，是音樂本身，而能表現音樂本質的工具，類比系統比數位系統好多了。

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我個人的想法跟Bob比較相近，雖然我現在用的是數位系統。也就是說，我在錄音的時候作的事，大部分時間都是在調整麥克風角度這種和音色最相關的事情上面，希望要求錄進來的聲音就已經是接近樂手心理想要的聲音，而不是事後在座大幅度的修正跟調整。（真的，數位系統，聲音愈調只會愈爛..可能也是因為我不會調的關係）

所以在錄音的概念上，我幾乎是以類比思考在作的，我寧願樂手多彈幾遍，多練幾遍，想清楚要什麼樣的音色，然後錄進去；而不是只錄一兩遍，然後用貼的全部貼完，或是在哪邊一個音一個音剪，老實說數位系統號稱的非破壞性編輯（包括複製貼上等等）對音色還是有影響，也就是說如果同一段吉他複製貼上到另外一軌，然後比較這兩軌，他媽的這兩軌聲音會有差異，我不知道問題出在哪，可能是因為我是數位遜砲。（註）

以前在另外一個論壇，遇到一個另一個每天使用pro tools的好萊塢超級錄音室錄音師（當然是外國人啦），跟他問數位錄音的很多龜毛地方（取樣頻率，解析度，格式轉換等等），搞的他很煩，後來他問我，你錄什麼？

我跟他說我錄搖滾樂。

他跟我講，錄搖滾樂，就是要搖滾，不用在乎那些幾bit 幾khz，以前的adat16bit 44.1khz（也就是一般CD的規格）就很夠用了。
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註：後來想了一下，可能是以下這個原因：
我們在某個段落要錄製重複的32小節吉他和絃，每四個小節就重複一次，於是我們只錄製了四個小節的段落，假設叫做A，然後把他重複拷貝八次，就有32小節的吉他。
當我們拷貝這八次的時候，電腦硬碟裡面事實上也只有唯一的一個四個小節的A檔案，因此，那些拷貝都只是clone，是電腦運算出來的，並不真實存在音軌檔案，每複製一次就得運算一次，運算過程很有可能失誤；如果你複製的音軌很大，並且複製的部分包括分軌，例如把A的吉他複製到另外一軌去，運算更複雜，出錯的可能性就更高。所以聽起來有時候會不一樣。