如果採取要分軌不同步的方式錄製搖滾樂團，先期的最重要的準備工作是，錄製一個精準的工作帶，工作帶的內容無非是基本的貝斯吉他和VOCAL，加上CLICK。

工作帶，是在正式錄音之前，當鼓手正式錄音的時候用，來提醒歌曲段落
情緒用的錄音。

錄製樂團的步驟通常是鼓手先聽工作帶，對準CLICK，把鼓的部份錄進去。

然後貝斯聽鼓手錄好的東西錄進去，接下來就是吉他或合成器等等
VOCAL通常最後。

因此工作帶的內容無非是基本的貝斯吉他和VOCAL，加上CLICK。

請注意，工作帶裡面最重要的是CLICK，第二重要的是對的很準的其他樂器。第三重要的是：工作帶裡面不能有鼓。
由於鼓手必須先把依照CLICK錄音，工作帶裡面的其他樂器如果不太準，反而會影響鼓手的拍子，很容易跟著不準的其他樂器，而忘記對CLICK；如果連鼓也錄進去，會造成鼓手的混淆，搞不清楚到底是他正在錄的鼓還是工作帶裡的鼓。這樣一來，完全失去對CLICK的意義。

更簡單的方式是用MIDI做工作帶，連錄製都免了，而且非常準。

因此工作帶最重要的就是準，錄製工作帶時也是要對CLICK。要不然工作帶不準的話就會對鼓手造成困擾，很多鼓手會被不準的工作帶內容帶著走，而忘記對CLICK。

數位和類比的爭論在廿一世紀的現在還沒塵埃落定，作為一個「不只是消費」的創作者，勢必得面臨選擇，對我而言，這選擇不是數位、類比工具的二選一，而是態度與技術上的折衝與平衡。

在Steve Albini的錄音室 Electrical Audio看到這一連串的討論，可以釐清一些關於創作工具與創作本身之間的辨証關係，同時也把我自己的想法提供給大家參考。
在這哩，BOB WESTON的觀點是值得大家注意的：
大概是說，
很多人認為數位剪輯方便，有電腦螢幕可以看，可以微調修正錄音時的「錯誤」，這是類比系統很難做到的（當然STEVE Albini不同意）。

Bob說，這些「錯誤」，一直存在那些經典的樂團錄音作品裡面，例如齊柏林、the who，滾石這些超級樂團裡面，但是卻一點都沒有影響他們在樂壇的地位，而且如果我們不去提醒，一般人是不會發現那些錯誤的，因為真正吸引人的重要因素，是音樂本身，而能表現音樂本質的工具，類比系統比數位系統好多了。

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我個人的想法跟Bob比較相近，雖然我現在用的是數位系統。也就是說，我在錄音的時候作的事，大部分時間都是在調整麥克風角度這種和音色最相關的事情上面，希望要求錄進來的聲音就已經是接近樂手心理想要的聲音，而不是事後在座大幅度的修正跟調整。（真的，數位系統，聲音愈調只會愈爛..可能也是因為我不會調的關係）

所以在錄音的概念上，我幾乎是以類比思考在作的，我寧願樂手多彈幾遍，多練幾遍，想清楚要什麼樣的音色，然後錄進去；而不是只錄一兩遍，然後用貼的全部貼完，或是在哪邊一個音一個音剪，老實說數位系統號稱的非破壞性編輯（包括複製貼上等等）對音色還是有影響，也就是說如果同一段吉他複製貼上到另外一軌，然後比較這兩軌，他媽的這兩軌聲音會有差異，我不知道問題出在哪，可能是因為我是數位遜砲。（註）

以前在另外一個論壇，遇到一個另一個每天使用pro tools的好萊塢超級錄音室錄音師（當然是外國人啦），跟他問數位錄音的很多龜毛地方（取樣頻率，解析度，格式轉換等等），搞的他很煩，後來他問我，你錄什麼？

我跟他說我錄搖滾樂。

他跟我講，錄搖滾樂，就是要搖滾，不用在乎那些幾bit 幾khz，以前的adat16bit 44.1khz（也就是一般CD的規格）就很夠用了。
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註：後來想了一下，可能是以下這個原因：
我們在某個段落要錄製重複的32小節吉他和絃，每四個小節就重複一次，於是我們只錄製了四個小節的段落，假設叫做A，然後把他重複拷貝八次，就有32小節的吉他。
當我們拷貝這八次的時候，電腦硬碟裡面事實上也只有唯一的一個四個小節的A檔案，因此，那些拷貝都只是clone，是電腦運算出來的，並不真實存在音軌檔案，每複製一次就得運算一次，運算過程很有可能失誤；如果你複製的音軌很大，並且複製的部分包括分軌，例如把A的吉他複製到另外一軌去，運算更複雜，出錯的可能性就更高。所以聽起來有時候會不一樣。