1.收音，收錄（tracking）：
把一切想要的聲音收錄到電腦、錄音帶、MD、光碟機、錄音筆、iPod等等媒體的過程，這時候最需要的錄音器材是：

麥克風microphone：通常有兩種，動圈式和電容式，一般來說動圈式麥克風所能承受音壓比較大，用來收近場（closing miking）的鼓組、電吉他音箱等等非常大音量的聲音；電容式麥克風聲音比較細緻，通常用來收錄人聲、木吉他，鋼琴等等原音（accoustic）樂器，價格也比較高。

麥克風前級（mic preamp）：把麥克風訊號轉換成line in訊號之後錄到你要的地方去，一旦使用麥克風收音，就一定要用麥克風前級。通常有真空管和晶體前級兩種；而麥克風前即通常也有高阻抗訊號（HI-Z）輸入，用來把鍵盤或是吉他這種高阻抗樂器訊號轉成line in訊號。

2.混音（mixing）：接下來把所有收錄好的聲音，無論是幾軌，把他們混合成兩軌立體聲（stereo），這個過程非常重要而且複雜。必須根據音樂類型，調整各音軌的訊號音量比例、平衡，需要使用PAN、EQ、各種效果器（reverb、delay等等），dymanic control（compressor、limiter、gate等等）。

3.母帶後製（mastering）：這項工作非常重要，是音樂作品要變成商業性音樂產品（cd、黑膠唱片、錄音帶等等）的最後一道關卡。要把混好的一張音樂CD，無論裡面有幾首歌，調整成為一個統一的調性、音量，而不光只是把音量撐大到最大聲，除此之外，讓CD在各種不同聆聽環境和器材下，聽起來都差不多，mastering工程非常專業，他們使用的器材幾乎與前面收音與錄音的器材更高標準，也更昂貴。我們要是聽到一張CD，感覺有點悶不太清楚，音量太小，聲音聽起來很沒有生氣，通常是因為mastering沒有作好的關係。

在日本錄音非常昂貴，在台灣可以排到商業錄音室的價錢，在日本只能排到一般練團室附屬的錄音室。所以他們來台灣錄音，覺得非常划算。
但是錄音過程異常順利，是我錄過最順利的樂團，他們在四個工作天之內錄完十一首歌的鼓和貝斯，這是有史以來，錄音錄的最快的樂團。
比起大部分的台灣獨立樂團來說，雖然他們只是二十歲出頭的大學生，但是他們的技術非常成熟，很有想法。
簡單講，可能是因為我們真的是用音樂在溝通，而不是用語言吧。
RICO的吉他手Yoda正在錄空心吉他，Baby Taylor，用兩支AKG 414TLII。

工作帶，是在正式錄音之前，當鼓手正式錄音的時候用，來提醒歌曲段落
情緒用的錄音。

錄製樂團的步驟通常是鼓手先聽工作帶，對準CLICK，把鼓的部份錄進去。

然後貝斯聽鼓手錄好的東西錄進去，接下來就是吉他或合成器等等
VOCAL通常最後。

因此工作帶的內容無非是基本的貝斯吉他和VOCAL，加上CLICK。

請注意，工作帶裡面最重要的是CLICK，第二重要的是對的很準的其他樂器。第三重要的是：工作帶裡面不能有鼓。
由於鼓手必須先把依照CLICK錄音，工作帶裡面的其他樂器如果不太準，反而會影響鼓手的拍子，很容易跟著不準的其他樂器，而忘記對CLICK；如果連鼓也錄進去，會造成鼓手的混淆，搞不清楚到底是他正在錄的鼓還是工作帶裡的鼓。這樣一來，完全失去對CLICK的意義。

更簡單的方式是用MIDI做工作帶，連錄製都免了，而且非常準。

因此工作帶最重要的就是準，錄製工作帶時也是要對CLICK。要不然工作帶不準的話就會對鼓手造成困擾，很多鼓手會被不準的工作帶內容帶著走，而忘記對CLICK。

在Steve Albini的錄音室 Electrical Audio看到這一連串的討論，可以釐清一些關於創作工具與創作本身之間的辨証關係，同時也把我自己的想法提供給大家參考。
在這哩，BOB WESTON的觀點是值得大家注意的：
大概是說，
很多人認為數位剪輯方便，有電腦螢幕可以看，可以微調修正錄音時的「錯誤」，這是類比系統很難做到的（當然STEVE Albini不同意）。

Bob說，這些「錯誤」，一直存在那些經典的樂團錄音作品裡面，例如齊柏林、the who，滾石這些超級樂團裡面，但是卻一點都沒有影響他們在樂壇的地位，而且如果我們不去提醒，一般人是不會發現那些錯誤的，因為真正吸引人的重要因素，是音樂本身，而能表現音樂本質的工具，類比系統比數位系統好多了。

-------
我個人的想法跟Bob比較相近，雖然我現在用的是數位系統。也就是說，我在錄音的時候作的事，大部分時間都是在調整麥克風角度這種和音色最相關的事情上面，希望要求錄進來的聲音就已經是接近樂手心理想要的聲音，而不是事後在座大幅度的修正跟調整。（真的，數位系統，聲音愈調只會愈爛..可能也是因為我不會調的關係）

所以在錄音的概念上，我幾乎是以類比思考在作的，我寧願樂手多彈幾遍，多練幾遍，想清楚要什麼樣的音色，然後錄進去；而不是只錄一兩遍，然後用貼的全部貼完，或是在哪邊一個音一個音剪，老實說數位系統號稱的非破壞性編輯（包括複製貼上等等）對音色還是有影響，也就是說如果同一段吉他複製貼上到另外一軌，然後比較這兩軌，他媽的這兩軌聲音會有差異，我不知道問題出在哪，可能是因為我是數位遜砲。（註）

以前在另外一個論壇，遇到一個另一個每天使用pro tools的好萊塢超級錄音室錄音師（當然是外國人啦），跟他問數位錄音的很多龜毛地方（取樣頻率，解析度，格式轉換等等），搞的他很煩，後來他問我，你錄什麼？

我跟他說我錄搖滾樂。

他跟我講，錄搖滾樂，就是要搖滾，不用在乎那些幾bit 幾khz，以前的adat16bit 44.1khz（也就是一般CD的規格）就很夠用了。
----
註：後來想了一下，可能是以下這個原因：
我們在某個段落要錄製重複的32小節吉他和絃，每四個小節就重複一次，於是我們只錄製了四個小節的段落，假設叫做A，然後把他重複拷貝八次，就有32小節的吉他。
當我們拷貝這八次的時候，電腦硬碟裡面事實上也只有唯一的一個四個小節的A檔案，因此，那些拷貝都只是clone，是電腦運算出來的，並不真實存在音軌檔案，每複製一次就得運算一次，運算過程很有可能失誤；如果你複製的音軌很大，並且複製的部分包括分軌，例如把A的吉他複製到另外一軌去，運算更複雜，出錯的可能性就更高。所以聽起來有時候會不一樣。

錄音時效果器設定第一步，拿掉你不會用到的效果器。

這些是效果器都是我在做現場表演時候用的，有固定的路徑，所有的導線全部都自己做，採取最短的路徑。但是串這麼多效果器，免不了會有「吃痛」的問題；在現場表演的時候，這個問題不大，因為現場表演除了音色以外，方便性也是很重要的，但是這些設定都必須在練團的時候和整個樂團討論，搭配，效果器的切換和音色的層次都是練團的一部份。

而在錄音的時候，有一條最基本的原則，「能不接效果器就不接，沒用到的通通拔掉」。

所以你可以看到我的效果器通通拆的亂七八糟，只保留絕對會用到，會打開的效果器。這樣會讓你的吉他訊號不會因為經過太多效果器電路而衰減，直接插到音箱之後，出來的聲音的聲音會非常突出，顆粒大而且飽滿，比串一堆過去的聲音好聽到讓你嚇一跳。

他特別喜歡在大空間的錄音室整個團進去一起錄音（廢話誰不喜歡:)）

另外
1.他喜歡把鼓的聲音壓扁，甚至壓到破音。而且他認為鼓聲的比例應該還要更小，而不是像站在鼓組前面聽那樣大聲。

2.他喜歡「有樂器」的錄音室，他曾經到很有名的超級錄音室裡面錄音發現裡面什麼樂器都沒有，他感覺非常恐怖，感覺不是做音樂的地方。

3.什麼是好的mix，他認為「音樂性」比每個聲音的空間感要來的重要，現代的錄音都被壓的太大聲了，每個樂器的位置和形狀都太清楚，反而忽略了音樂。

4.他不相信用耳機能把mix做好，一定要用喇叭。而且，groove，是整個團錄音的時候就要錄進去的，如果有人沒groove，就算把hihat的聲音調高也無濟於事。

5.他認為網際網路下載和錄音數位科技對獨立音樂工業來說是有益的，可以降低成本，就像現場表演對於獨立樂團的重要性一樣。

在錄音電吉他音箱的時候，可以變換麥克風的距離和角度而獲得一些音色的改變。

在錄音電吉他音箱時，最常用的麥克風應該是Shure SM57，麥克風的距離和角度的改變一定會造成音色的影響。

幾項簡單規則是這樣：

1.距離，距離喇叭單體愈近，獲得的低頻愈多，愈遠低頻愈少。
一開始的時候，可以嘗試把麥克風直接對準喇叭單體的中間，然後靠近到無法再靠近為止，會獲得一個很緊很轟的吉他聲。但是我們通常會把麥克風拿到距離單體兩三吋遠的地方，讓聲音發展開來，錄起來的聲音比較自然。

2.位置，決定距離以後，可以慢慢移動麥克風的位置，從喇叭單體的中間往外緣移動，你會發現，聲音開始有很大的改變，通常，那種老搖滾扁扁的破音都是來自喇叭內圈的聲音，外圈的聲音比較厚。

3.角度，如果麥克風的角度和喇叭單體成垂直九十度，那就叫做on axis，如果有偏差就叫做off axis，相同的，你也可以變換麥克風角度，來獲得你想要的聲音。

重要的幾個技巧：

1.獲得「真實」的吉他AMP聲音，.當我們把吉他插到AMP上面之後，把手放開不要碰觸吉他，你可以聽到從AMP裡面發出哼聲，這個哼聲非常重要，將麥克風擺在距離AMP大概30公分到一公尺左右的距離；接著帶上耳機，前後左右去移動麥克風，監聽從麥克風收進來的聲音；當你從耳機聽到的哼聲和直接從音箱聽的哼聲非常接近的時候，這個麥克風位置所接收到的聲音將是最接近AMP本身發出的聲音。很多錄音師都使用這個技巧，例如Steve Albini（NIRVANA、GYBE.etc）
Jim Stcott（Tom Petty and Heartbreaker）。

2.大家都知道，在吉他訊號上面加上DELAY效果器可以獲得比較「寬廣深遠」的聲音，但是不加效果器一樣可以獲得類似的效果。同時使用兩個麥克風，分別錄成兩軌，彼此大約距離十二英吋會有一毫秒的DELAY，所以可以在不使用效果器的狀況下獲得DELAY的效果，在Mixdown的時候可以調整pan和level來獲得理想中的聲音。

3.錄節奏吉他的時候，最好是同一個部分開錄兩次，然後pan極左和極右，這樣聲音會非常的開，而且飽滿，千萬不要做只錄一次然後用複製到另外一軌的事，雖然數位錄音功能複製貼上非常簡單。另外如果這個session是很大的破音扣錄過兩遍之後，可以在錄一遍沒有破音的cleantone，這會讓整個session更飽滿。

其實錄音並沒有一定的規則，各位可以自行發揮創意和想像力來實驗，例如同時使用兩支（或以上）的麥克風，分別使用不同的角度和距離，會有意想不到的效果，多做幾次以後，就可以找到自己的TONE。

對，這篇文章要講的就是省錢這件事，（如果有人幫你出錢錄音，那你可以不用繼續看，哈），如果你已經找好一家錄音室，價錢談好，存錢也存夠了，開始錄音；能在有限的預算下，讓你的心力、財力發揮最大的效果，這非常的重要。

1.要來錄之前要練一百遍練到背起來為止
因為你是來錄音的，不是來編曲的，要不然你的錢會很快的花完，錢花光了，歌沒有錄完，這完全怨不了別人。最保險而且最善待自己荷包的方式就是，把所有應該彈應該錄的東西練到最熟練，就可以很快的完成原本的錄音工作，如果因此超前進度，那就有多餘的時間來做更豐富或是更多的實驗。

2.保持愉快的心情
這非常重要，因為愉快的心情會讓你的錄音順利許多。如果你是自己想要錄音，而不是別人要求你的「工作」，那不管錄的多辛苦，多累，都應該感到心情愉快，因為這是成就自己的創作，過程中所有不愉快的事情、都是正常的，也都是應該接受的。

3.要掌握錄音進度
這就是為了省錢，錢有限，進度就很重要，什麼時候該錄完，就要在那時候錄完。有計畫的錄音工作，也能讓越團對自己的音樂更加清楚。

4.錄音的時候要有一個作決策的人在旁邊
簡單講就是要有個「製作人」，這可以是團員，也可以是直得信賴的朋友，或是乾脆付錢找一個真的專業製作人。在錄音過程中這個人最重要的工作就是「做決定」，什麼時候該錄什麼樂器，音色怎麼選擇，哪一個take的取捨，進度的管控，和錄音師的溝通等等，而且這個人必須了解你們的音樂，而且有人錄音的時候他就要在。

5.做音樂不是在彈音符
這很抽象，總之，要對自己的音樂充滿感情，就算已經錄超過一百次也一樣。

6.和錄音師要保持順暢的溝通
錄音師是服務業的一種，不應該也不會得罪他的客戶，和錄音師的溝通狀況將會決定你的音樂的長相。如果要錄製搖滾樂，最好找一個曾經有搖滾樂團經歷的錄音師，溝通起來絕對比你去找什麼大牌的主流商業錄音師要好。

他的錄音室叫做Electrical Audio，想知道如何用哪些器材，怎麼用麥克風，還有討論區，另外一個錄音師BOB WESTON（Shellac的貝斯手）則會經常出現在他們的討論區為大家解答疑惑。這個錄音室網站實在太屌。

節拍器（以下稱為CLICK），所有的老師都會告訴各位，節奏很重要，是一切音樂的基礎，而一個穩定的節奏是音樂創作的基礎，這種誰都會講的事情，不是我這篇文章的目的；我想講的是，不要讓CLICK成為樂團錄音的障礙。

我相信沒有任何人會喜歡滴滴答答的CLICK聲音，但是他絕對是必要之惡，尤其是樂團，當我們完成一首創作，應該馬上確定這首歌的「速度」，因為速度決定了歌曲最基本的情緒與調性，如何決定速度呢？當然是拿一個CLICK來抓，多試幾種不同的速度，然後整團去體會不同速度間的感覺，一旦決定了，最好以後練團整團都聽CLICK一起練，因為一個穩定的速度是整個樂團「氣勢」的基石。

到了錄音室，發現很多樂團鼓手對不到CLICK，最簡單的原因，就是沒有這種習慣。因為對CLICK真的是苦差事，無聊到底的CLICK，一直在腦袋中滴滴答答，要是沒有決心，很容易就放棄。從放棄的那一刻開始，CLICK將成為樂團（或是樂手）的障礙，這是很可惜的事情。沒有穩定的拍子，其他的樂手的節奏也得漂來漂去，這樣更難對的準，聽起來就亂亂的，怎麼對都對不到是很痛苦而且令人挫折的事情。

音樂好不好並不是由CLICK來決定的，CLICK就只是工具，讓自己的音樂變的更好聽的工具，所有的鼓手我覺得應該都買一個好一點的CLICK（大概四千元左右，鼓手總不能只買鼓棒吧？），平常多多習慣那樣的聲音和節奏感，一但克服厭惡感，那將是非常大的進步。

NOIZ Studio是目前台北錄製獨立樂團作品最有經驗的錄音室，TAMA爵士套鼓，Fender TwinReverb和MesaBoogie吉他音箱，AMPEG 350SVT貝斯音箱。所有的空間和樂器都是以樂團錄音為主要設計。

為了讓台灣的獨立樂團能有更方便更經濟的方式來錄製自己的DEMO，我們特別推出2004樂團錄製DEMO的優待方案，讓有效率而完美的完成您的DEMO作品。

DEMO的錄製方式是，所有樂器部分同步分軌錄音，人聲獨立錄音（如果有的話）；因此我們在錄完音之後還可以調整各種樂器的音量和音色，而不是像MD或是錄音帶錄音，錄完之後就不能調整了。

錄製每首DEMO新台幣兩千元整，包括錄音，混音和燒錄CD。

重要的是，一次錄製兩首歌，就再加送一首歌喔。

如果您有任何問題和需要，請寫信到noiz@ms22.url.com.tw ，或是打電話到02-27333214，當然也隨時歡迎大家到NOIZ Studio參觀。